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Músico
del curso 2002/03 en el IES Adaja
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Proyecto "Arte
y Técnica, valga la redundancia..."
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Una presencia
en la "web" de los estudiantes de Bachillerato. Prof. A. Tindón
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Doménico Scarlatti 1685 - 1757
Hijo del también músico Alessandro Scarlatti, con sólo
dieciseis años recibió el cargo de organista de la capilla real de
Nápoles. En 1705 se asentó en Venecia, donde sostuvo un torneo musical
con Haendel. En 1715 fue nombrado maestro de capilla de San Pedro de Roma, para establecerse
posteriormente en Madrid, en la corte de Fernando VI. Como compositor, fue influido
en su obra por la música y los tirmos populares españoles, que acertó
a combinar con su estilo propio. Compuso 555 sonatas para clave, 12 óperas,
dos "Miserere", una misa, "Stabat Mater", "Salve Regina",
arias y cantas de cámara
El Período
Barroco
Trabajo de Historia de la Música
realizado por: Jaime A. García
Estudiante de Ingeniería de Sistemas
Universidad EAFIT Medellín [Colombia]
Correo :
jgarcial@delta.eafit.edu.co
Título: El Período Barroco
Categoría: Cultura musical
Palabras Clave: música barroco ópera Bach Vivaldi Scarlatti Haendel
Telemann Monteverdi suite toccata fuga allemande courante sarabande
Abstract: Este trabajo sintetiza las características generales, artísticas
y musicales de esta bella época, delimitada cronológicamente por la
publicación de la primera ópera en 1600 y la muerte del gran Johann
Sebastian Bach en 1750. Describe las formas vocales e instrumentales más comunes
del período, como la suite barroca, el oratorio, la sonata, el concierto grosso,
la toccata, entre muchas otras. Se hace al final una reseña de los más
destacados compositores, clasificándolo de acuerdo a su nacionalidad. Entre
ellos encontramos a los italianos Monteverdi, Scarlatti, Corelli y Vivaldi; los franceses
Couperin, Rameau y Lully; y a los alemanes Bach, Haendel y Telemann.
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TABLA DE CONTENIDO |
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1. CARACTERÍSTICAS DEL
PERIODO BARROCO |
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1.1. Características generales |
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1.2. Características artísticas |
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1.3. Características musicales |
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1.4. Formas instrumentales |
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2. FORMAS VOCALES |
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2.1. Recitativo |
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2.2. Aria |
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2.3. Cantata |
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2.4. Oratorio |
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2.5. Bel canto |
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3. FORMAS INSTRUMENTALES |
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3.1. El concerto grosso |
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3.2. La suite |
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1. Preludio
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2. Allemande
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3. Courante
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4. Sarabande
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3.3. La sonata |
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3.4. La toccata |
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3.5. La fuga |
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3.5.1. Exposición
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3.5.2. Desarrollo
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3.5.3. Sección conclusiva
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3.5.4. Coda
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4. COMPOSITORES |
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4.1. Italia |
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4.2. Francia |
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4.3. Inglaterra |
1. CARACTERÍSTICAS
DEL PERÍODO BARROCO
1.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Entendemos por Período Barroco aquella época de la historia comprendida
entre aproximadamente 1600 y 1750, delimitación hecha por dos hechos importantes
concernientes a la música: la primera ópera publicada (1600) y la muerte
de Johann Sebastian Bach (1750).
1.2. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS:
El aspecto artístico reflejó fielmente las características
sociales de la época. Algunos aspectos detallados de las características
en el arte, fueron:
- Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos.
- Explotación y agudización de los contrastes.
- Imitación de la naturaleza.
- Propensión a lo trascendental, a lo solemne y a lo magnífico.
Estas características fueron comunes a casi todas las naciones, pero a pesar
de ello, cada una de ellas desarrolló su aspecto artístico dependiendo
de su estructura social y su organización política y religiosa, instituciones
que ejercieron gran influencia en el desarrollo del arte.
1.3. CARACTERÍSTICAS MUSICALES:
Una característica importante fue que los detalles del arte en el barroco
no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las
complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para
dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más
tarde con Bach todo el esplendor que la ha caracterizado), dando de ésta manera
más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno
a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que
fuera "entendible" el texto. Esto debido en gran parte a la corriente humanista.
Y a propósito del acompañamiento, se ideó un sistema de anotación
conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, usualmente escrita
para teclado (dado que casi todo acompañamiento en la música barroca
era con órgano o clavecín), con unas cifras que señalaban las
armonías exigidas.
Otros hechos importantes del barroco musical fue el nacimiento del género
operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales
2. FORMAS VOCALES
2.1. Recitativo: Parte de la ópera donde el texto se "canta"
como si fuera recitado. En realidad no es una forma vocal bien definida, pero cabe
dentro de este análisis.
2.2. Aria: Es una composición musical, o una forma, para una sola voz
y con un acompañamiento de uno o varios instrumentos.
2.3. Cantata: Parte de la ópera donde se alternan el narrador y los
diferentes personajes en una escena lírica sin acción teatral.
2.4. Oratorio: En realidad no es una forma vocal, sino una composición
de carácter religioso, también denominado ópera religiosa, en
la cual no hay parte escénica, ni de actuación, vestuario decorados,
etc.
2.5. Bel Canto: Forma vocal caracterizada por libertades interpretativas,
donde el uso del rubato (elasticidad rítmica) y la libre ornamentación
la fue llevando a absurdos excesos. Fue el origen más tarde de la cadenza
en el concierto para instrumento solista.
3. FORMAS INSTRUMENTALES
3.1. El Concerto Grosso: Se derivó de la escritura para grupos. En esta
forma musical, uno o varios instrumentos se destacan (concertino) en determinados
pasajes, en contraste con la generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno).
Sus primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani. Más
tarde sería el maestro Vivaldi quien llevaría el concerto grosso a
su máxima esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general
3 movimientos (allegro-adagio-allegro), y se sentaron las bases del virtuosismo de
los solistas en el futuro.
3.2. La Suite: Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma tonalidad
(generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach y Haendel adquirió
una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande,
gigue, precedida por una introducción denominada preludio u obertura.
1. Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación
sobre un tema rítmico o melódico.
2. Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y
melódico.
3. Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar
notablemente con la anterior.
4. Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable
de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo
beat de cada compás. Curiosamente, no tiene relación alguna con la
rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI
fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo.
Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se
incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras.
3.3. La Sonata: Es una composición de estructura binaria o ternaria,
ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Existían
dos tipos de sonata: La Sonata de Camera (sonata de cámara, basada
en movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata sacra, de carácter
más serio).
3.4. La Toccata: Básicamente es una pieza musical destinada generalmente
para instrumentos de teclado. Tiene como características sus pasajes virtuosísticos
de lucimiento.
Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco Tardío. Luego perdería
importancia.
3.5. La Fuga: Composición musical que tuvo su origen en el renacimiento.
Consiste en su forma más simple, de una composición que gira sobre
un tema y su contrapunto, repetidos en diferentes tonos. Es como si la melodía
se fugara de una voz a otra en imitaciones interminables. La fuga obtiene con Bach
su estructura perfecta. De esta forma se contemplan cuatro secciones:
3.5.1. Exposición: Aparece el tema en cada una de las voces en forma
sucesiva. El tema melódico que está en la tónica se le denomina
sujeto y al que va en la dominante se le denomina respuesta. A veces
hay un tema secundario llamado contrasujeto.
3.5.2. Desarrollo: Se "juega" con los aspectos rítmicos y
melódicos del tema central.
3.5.3. Sección Conclusiva: Regresa el tema central en su versión
original, pero se advierte la proximidad del fin.
3.5.4. Coda: Es una pequeña sección que afirma el tono central
de la obra para darle su sentido conclusivo.
4. COMPOSITORES
Parauna descripción más clara, se clasificarán los más
grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad: italiana, francesa, inglesa o
alemana.
4.1. ITALIA
Una de las naciones más importantes en el barroco, tanto en el arte como
en la música. Los compositores más importantes de la época fueron:
Claudio Monteverdi (1567 ó 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina.
Su obra LíOrfeo (1607) marcó un hito en la historia operística.
También compuso otras óperas (Arianna, 1608; La Coronación
de Popea; 1641, etc.), salmos, motetes y madrigales.
Tomaso Albinoni (1671 ó 1750): Violinista y compositor veneciano. Compuso
obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. Bach
utilizó algunos de sus temas.
Arcangelo Corelli (1653 ó 1713): Compositor y violinista. Principal representante
del Concerto Grosso. Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y cámara
(1681 ó 1700) y una de concerti grossi (1714).
Francesco Geminiani (1687 ó 1762): Violinista y compositor italiano. Autor
de sonatas para violín y clavecín de concerti grossi y de un
método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín,
1731). Vivió y enseñó muchos años en Dublín y
Londres.
Domenico Scarlatti (1685 ó 1757): Organista, clavecinista y compositor. Compuso
más de quinientas sonatas para clave, óperas y cantatas. Sobresalió
por su virtuosismo en el teclado.
Alessandro Stradella (1642 ó 1682): Compositor y cantante, uno de los máximos
exponentes de la escuela napolitana. Contribuyó a la evolución del
aria, el oratorio y la cantata. San Juan Bautista (1675, oratorio), Doriclea
(1677, ópera).
Antonio Vivaldi (1678 ó 1741): Compositor y violinista, de la escuela barroca
veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo que renunciar al ejercicio
de su ministerio, y fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. Junto
con Corelli, fuel el más importante representante del concerto grosso.
Verdadero creador del concierto para solista. Intérprete virtuoso
(considerado el precursor de Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del
contrapunto, exhuberancia armónica), realmente un personaje anticipado del
Romanticismo. Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75
sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las Cuatro Estaciones,
incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725).
Definitivamente es mi compositor favorito.
4.2. FRANCIA
François Couperin (1668 ó 1733): Fue junto con el Italiano Scarlatti,
uno de los más grandes clavecinistas de la historia. Fue llamado Couperin
el Grande. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín,
1716) y de numerosas composiciones (obras para clavecín, corales, sonatas,
danzas, etc.).
Jean-Baptiste Lully (1632 ó1687): Compositor francés de origen italiano.
Fue el creador de la ópera francesa. Cadmo y Hermione (1673), Rolando
(1685), Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos.
Jean-Philipp Rameau (1683 ó 1764): Compositor renovador de la ópera
francesa clásica. Conocido organista y autor de piezas para clave, debutó
en el género operístico en plena madurez, con Hipóclito y
Aricia (1733); del resto de su producción, caracterizada por la riqueza
orquestal y la intensidad expresiva, se destacan Las Indias Galantes (1735)
y Cástor y Pólux (1737). Intervino en la "querella de los
bufones", a favor de la tradición, y dejó escrita una importante
obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales,
1722)
4.3. INGLATERRA
Henry Purcell (1659 ó 1695): Fue miembro de una familia de músicos de
la corte. Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística, aunque
dando más realce en sus obras a la melodía. Considerado como el iniciador
de la ópera inglesa con su Didos y Eneas (1690), también escribió
cantatas, odas, sonatas, y suites instrumentales.
4.4. ALEMANIA
Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach,
GF Haendel y GP Telemann.
Johann Sebastian Bach (1685 ó 1750): Organista y compositor. El más
célebre de la familia (y de toda la historia de la música :). Fue músico
de la corte, organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador,
elevó la fuga a su máxima expresión, extrayendo de. ella todas
las posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar numerosos
preludios, toccatas, suites, sonatas, partitas, corales: El Clave bien Temperado,
los Conciertos de Brandemburgo, el Magnificat, la Pasión según san
Mateo, el Arte de la Fuga.. Personalmente, es uno de mis compositores favoritos.
Georg Friederich Haendel (1685 ó 1759): Clasificamos a Haendel entre los compositores
alemanes por su nacimiento, pero por su obra, lo deberíamos incluir entre
los italianos o los ingleses. En su vasta producción sobresalen óperas
(Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre todo, los oratorios,
más dramáticos que religiosos (El Mesías, 1742; Judas
Macabeo, 1745).
Johann Pachelbel (1653 ó 1706): Compositor y organista alemán. Fue
considerado el precursor de Bach. Su obra, ecléctica y exenta de artificios,
comprende cantatas, motetes, fugas, suites, corales. Una obra importante fue Divertimento
Musical (1691).
Georg Philipp Telemann (1681 ó 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo.
Al igual que Bach, combinó elementos alemanes, italianos y franceses, representando
la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico.
Dejó una extensa producción, tanto de música religiosa como
profana.
Sylvius Leopold Weiss (1686 ó 1750): Fue el principal compositor para laúd
de la escuela del Barroco Tardío. Su extenso número de trabajos que
hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas.
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Doménico Scarlatti |
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Biography |
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"My esercizi are not designed to display any profound
learning, but are rather an ingenious Jesting with Art."
Domenico Scarlatti was born on
the 26th of October, 1685; in Naples, son of Alessandro Scarlatti, a famous opera
composer. Born in the same year as Johann Sebastian Bach, both were masters of music
of the Baroque period, which lasted from about 1600 to 1750. Both also wrote a great
deal of music for the harpsichord. But whereas Bach in Germany followed an established
tradition of writing fugues and other types of music with strict rules, Scarlatti
lived and worked in Italy, Portugal and Spain, where different musical traditions
prevailed. With the harpsichord, he took a free and independent line and was a highly
influential figure in the development of keyboard musics.
Alessandro Scarlatti's ambitions for his son led to various appointments composing
opera and church music. Domenico's first thirty-five years were busy but undistinguished
as he played the harpsichord, composed Masses for St Peter's, operas for Venice and
Naples, and concertos and chamber works for anyone who asked. He achieved some fame
as the finest harpsichordist of his day, but his compositions were merely competent
and cannot be considered particularly inspiring.
In 1709 Scarlatti became harpsichord teacher to the exiled Polish Queen, Maria Barbara
Casimira, in Rome. When she became Queen of Spain eight years later he followed her
to Madrid and stayed there for the rest of his life. This appointment enabled Scarlatti
to devote himself to his first love, the harpsichord. This is the turning point of
Scarlatti's career as a composer. For Maria Barbara, he composed over 500 harpsichord
pieces, works of such dazzling brilliance that they place him abruptly in the front
rank of composers.
In his hundreds of single-movement sonatas or esercizi (exercises) for the harpsichord,
Scarlatti developed exciting new techniques such as rapidly repeated notes and crossing
one hand over the other, and experimented with new kinds of musical form. Here he
was a true pioneer and an important link between the Baroque period and the musical
forms and styles of the Classical period that followed in the 18th century.
Although Scarlatti's famous exercises were originally written for the harpsichord,
today they are more often played on the piano. Imaginative and graceful, the music
of Scarlatti often seems to dance easily over the keys, almost as though it composes
itself. At other times, it is more reflective or subdued. Always, though, the breathtaking
range of moods and techniques is both adventurous and a sheer delight to listen to.
The influence of Scarlatti is often underrated. Certainly he anticipated many of
the developments of the Classical period, and his hand is seen in the works of Haydn,
Mozart and Beethoven (the three composers who represent the first classic phase of
the sonata).
Domenico Scarlatti died on 23 July, 1757 in Madrid.
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